В Омске открылась совместная выставка российских и китайских художников

В Омске протянули «Мост дружбы от России до Китая». Так называется совместная выставка отечественных художников и мастеров из Поднебесной. В экспозицию включены живописные и графические работы, а также фотографии. Впервые вниманию публики будет представлено полотно, длиной почти сто метров.

Несколько десятков каменных львов, увиденных в путешествии по Китаю, этот каллиграф, за иероглифами к которому выстраивались многометровые очереди, а также искренний пиетет китайских живописцев к русским художникам-реалистам – самые яркие впечатления от творческой командировки в Поднебесную Александра Шафеева.

«Идет такой синтез китайского национального искусства и нашего реалистического, которое им преподавали в Петербурге, – рассказывает художник-график Александр Шафеев. – И сейчас они на этой основе двигают что-то такое новое, свое китайское»

Созревшие подсолнухи по соседству с китайским небоскребом стали потрясением во время первого творческого визита в Китай омского художника Евгения Дорохова. Не сразу дались пальмы из Поднебесной сибиряку Геймрану Баймуханову. На помощь пришли китайские коллеги.

«Они знают, что в России популярна русская береза, – говорит Геймран Баймуханов. – Они нам все говорили: «Как вы ее пишете, это так сложно!». А мы говорили: «А как вы пишете пальмы, это тоже сложно!»

Увидеть березы и себя показать приехала в Омск делегация из Китая. Прямо на глазах у посетителей музея Хон Го-зен в технике гохуа создает традиционные для своей родины образы. Один из них - орел как символ всего, без чего немыслима гохуа – традиционная китайская живопись.

«Орел – это сила, мужество, бесстрашие, острое зрение и упорство», – рассказывает Хон Го-зен.

Для создания своих произведений мастера из Поднебесной используют рисовую бумагу, тушь, камень для ее растирания и кисти. Кстати, владение последними - долгое время в Китае считалось одним из необходимых качеств «благородного мужа».

«Вот такие жесткие кисти – ланхао – называют «волчьими», – говорит Хон Го-зен. – Они делаются из меха собаки, что в переводе с китайского, буквально, означает «желтый волк». Обязательная печать-монограмма – еще одна особенность гохуа. Так подписываются все китайские художники. К тому же, они любят дополнять свои работы изречениями мудрецов.

«Наш Конфуций говорил, что кроме ученья очень важно и повторенье, – рассказывает художник. – Ну, это что-то типа вашего русского «повторенье – мать ученья»

Про то, что «Век живи – век учись!», не раз вспомнили и сотрудники омского Либеров-центра, собирая нынешнюю экспозицию. Размеры некоторых работ ошеломили даже опытных музейщиков. Стометровое полотно китайской художницы Сю фун Сю, написанное на шелке, в Омске будет храниться в специальном футляре. И каждый раз его будут разворачивать на глазах у зрителя. Согласно китайским традициям, наслаждение к созерцающему должно прийти постепенно: с каждым новым разворотом свитка.

---

Немецкое кино

В 1960—1970-е годы в Германии возникает течение, позиционировавшее себя как «Новый немецкий кинематограф» . Наиболее яркими его представителями являлись такие ставшие теперь классиками режиссёры, как Вим Вендерс, Фолькер Шлёндорф, Вернер Херцог, Райнер Вернер Фассбиндер. Эти режиссёры преследовали цель отхода от развлекательного кино в пользу остросоциального, побуждающего к размышлению кинематографа. Фильмы этих режиссёров снимались на деньги независимых студий, поэтому такое кино также стало называться «авторским». Значительное влияние на Новый немецкий кинематограф оказала французская «новая волна»  и движение протеста 1968 года.
Наиболее плодовитой фигурой «Нового немецкого кинематографа» был Райнер Вернер Фассбиндер. Режиссёр снимал по несколько фильмов в год и отчаянно прожигал жизнь (умер в 37 лет от передозировки кокаина). Это сообщило его фильмам внешнюю небрежность, неровность, но и наполнило их некоей необычной жизненностью, трагическим «драйвом» и сделало многие сцены поразительно запоминающимися.
Среди поныне работающих немецких классиков всемирно знаменит Вим Вендерс.

Итальянское кино

Итальянское кино всегда было самобытным и неповторимым. Хотя существуют и итальянские фильмы, рассчитанные на «массовое потребление», но всё же широкой мировой кинообщественности итальянское кино известно благодаря высокому «авторскому» кино таких режиссёров, как Роберто Росселлини, Федерико Феллини, Микеланджело Антониони, Лукино Висконти, Пьер Паоло Пазолини, Бернардо Бертолуччи. Фильмы этих режиссёров, созданные в разных стилях, иногда полные абстракций, метафор, мистики, навсегда вошли в золотой фонд мирового кинематографа и стали источником вдохновения для новых поколений режиссёров.

Французское кино

Французское киноискусство является одним из самых уважаемых в мире, и по популярности уступает лишь голливудскому. Современный облик французского кино сформировался после Второй мировой войны. Так называемая «новая волна» во французском кино оказала сильнейшее влияние на развитие кино во всём мире. Среди известных режиссёров — Жан Ренуар, Марсель Карне, Жан-Люк Годар, Франсуа Трюффо, Бертран Блие, Люк Бессон, Жан-Пьер Жене, Франсуа Озон. Правительство Франции активно содействует развитию и экспорту национального кинематографа.

Искусство манга с «изюминкой» от Камиллы д’Эррико

Как правило, исключительная няшность и кавайность произведений присуща, в основном, японским иллюстраторам, авторам манги и мастерам живописи. Хотя позитив большеглазых девчушек и мальчонок порой захватывает и представителей других культур. И тогда на свет появляются "сводные" родственники японских анимашек, - такие же милые и большеглазые, но другой национальности. Таких персонажей и рисует 28-летняя канадская художница Камилла д'Эррико (Camilla d'Errico).

Современные телефильмы.

 С начала  этой недели по телевидению идёт современный фильм о проблемах нашего современного общества: о добре и зле,о влиянии денег на людей,о моральных и нравственных приоритетах в обществе. В фильме играют известные актёры: В.Меньшов, А.Соколов. Фильм мне очень понравился.

Конференция

Сегодня мы на конференции обсуждаем тенденции современного искусства.

Мухтар Багандов

Родился в Дагестане. Учился в Краснодаре и Ленинграде(Санкт-Петербурге). Рисовать учился самостоятельно. Брал частные уроки, учился на примере великих мастеров.

С середины 80-х активно участвует в выставочной деятельности. В 90-е сотрудничает с галереей «Феникс», где успешно проводит несколько творческих акций.Выставляет свои работы в Выставочном комплексе у метро «Технологический институт» В эти же годы проходит персональная выставка в Мраморном дворце.

Принимает участие в телемарафоне «Возрождение», проходившем по инициативе мэра Санкт-Петербурга Анатолия Собчака. Художник дарит три своих картины фонду будущего Музея Современного Искусства. В конце 90-х участвует в большой коллективной выставке во дворце Белосельских-Белозерских.

Углубленно изучая искусство прошлого и настоящего, художник постоянно пытался представить и обозначить роль изобразительного искусства в современной цивилизации, особенно в связи с бурно развивающимся научно техническим прогрессом.

«Можно долго перечислять стили и направления изобразительного искусства у разных народов, будь то искусство китайских, японских мастеров или величайшая культура древних индейцев на американском континенте, но одно можно сказать точно - высокое искусство помогает освободиться человечеству от агрессии и злобы, безумных инстинктов насилия и жестокости»

Многие картины художника, живопись и графика, находятся в частных коллекциях России и за рубежом.







«Высокое искусство помогает освободиться человечеству от агрессии и злобы, безумных инстинктов насилия и жестокости»

Вячеслав Капралов

Родился в Питере в 1972 году. В 1988-90 учился в Академии художеств на Отделении архитектуры. С 1990 жил и работал в сквоте художников на Гангутской восемь. С 1990 года учавствует в различных выставках в России и за рубежом.

Ни в каких хуожественных организациях не состоит. Художник ,помимо традиционной масляной живописи, работает в различных техниках - киригами, коллаж, мозаика, витраж.

Артем Гриднев

В первый год восьмого десятка прошлого столетия тело, имеющее мало общего с настоящим, увидело «свет в августе» на одноименной улице уездного города Александровска.

Благодаря родительской склонности к путешествиям имел возможность ознакомиться с бесконечными просторами необъятной родины и прожить пятилетку на Дальнем Востоке. Охота к перемене мест оказалась наследственной, благодаря ей и по сей день происходит непрерывное продолжение знакомства с миром без посредников. Портом приписки однажды был избран Петербург, и правильность выбора подтверждается непрестанно.

Пережитое обращение в нефигуративную живопись на рубеже 90-х под влиянием акционизма членов группы «Томат Паста» потребовало умения плескать краску отточенным жестом и создавать картины с произвольной системой координат. Последующее возвращение к нарративности возобновило стремление к овладению навыками передачи трехмерной иллюзии на плоскости. Непреходящая склонность к декоративности коренится в родстве с изобразительным искусством Востока, которое преломляется в Европе на рубеже веков в «Ар Нуво» и далее во все оттенки поп-арта. Коллаж есть непосредственное их детище.




Как и у всякого актуального искусства, признак попадания в цель — улыбка удивления, вызванная, на сей раз, происхождением материала.

Ольга Зенина

После успешного окончания средней школы, училась в Кишиневском Педагогическом институте. Факультет «Художественная Графика». Два года изучала искусство батика и различные техники росписи тканей. С 1998 года находилась в свободном творческом поиске, рисуя графику и батики. С наступлением эры компьютера героически освоила ряд графических программ и два года работала дизайнером в крупной софтверной фирме. В 2001 одумалась, уволилась и снова влилась в нестройные ряды художественной питерской тусовки.

Появление в моей жизни фотоаппарата и велосипеда внесло массу совершенно новых впечатлений в мое творчество. Фиксируя моменты жизни, на все вокруг начинаешь смотреть по-новому. Свободно перемещаясь по городу и наблюдая, погружаешься в фантазии о том, что происходило много лет назад за величественными старыми фасадами домов, арок и подворотен. Глядя на затейливые узоры орнаментов, лепных торсов и грифонов, подпирающих балконы, портиков и решёток, начинаешь чувствовать себя персонажем давно забытой пьесы.

Не представляю свою жизнь без музыки. Наверное, во мне до сих пор сильны воспоминания юности, поэтому и сейчас очень люблю этническую музыку. От Бреговича до Гектора Зазу.

В моих работах редко присутствуют серые пастельные тона. Я росла на солнечном, ярком и цветном юге. Возможно, косвенно это повлияло на выбор любимой техники в творчестве - предпочитаю пастель и акрил. Люблю акварель и батик - великолепную технику нанесения на ткань рисунка.

Работы художника находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

В моих работах редко присутствуют серые пастельные тона.
Я росла на солнечном, ярком и цветном юге.

Ахмадулина Белла (Изабелла) Ахатовна

российский поэт, прозаик, переводчица, один из крупнейших русских лирических поэтов второй половины XX века.

 Родилась 10 апреля 1937 в Москве. Школьницей работала внештатным корреспондентом газеты «Метростроевец». Стихи писала с детства, занималась в литобъединении при ЗИЛе у поэта Е. Винокурова. В 1955 в газете «Комсомольская правда» было опубликовано ее стихотворение «Родина». По окончании школы поступила в Литературный институт им. А.М. Горького. Стихи, поданные на творческий конкурс при поступлении, удостоились высокой оценки И. Сельвинского: «поразительные по силе, свежести, чистоте души, глубине чувства».

 Во время учебы в Литинституте Ахмадулина публиковала стихи в литературных журналах и в рукописном журнале «Синтаксис». Занималась журналистикой, писала очерки («На сибирских дорогах и др.»). В 1957 писала в «Комсомольской правде»: искусство «призвано не веселить людей, а приносить им страдания». В 1959 Белла Ахмадулина была исключена из института за отказ участвовать в травле Б.Л. Пастернака, но затем восстановлена. В 1960 окончила институт с отличной оценкой дипломной работы.

 В 1962 стараниями П.Г. Антокольского была издана первая книга Беллы Ахмадулиной «Струна». Высоко оценивая поэтический дар Ахмадулиной, Антокольский впоследствии написал в посвященном ей стихотворении: «Здравствуй, Чудо по имени Белла, / Ахмадулина, птенчик орла!»

 Поэтический сборник «Озноб», в котором были собраны все стихи, написанные в течение 13 лет, вышел в эмигрантском издательстве «Посев» (1969, ФРГ). Несмотря на это «крамольное» событие, книги Беллы Ахмадулиной, хотя и подвергались строгой цензуре, продолжали издаваться в СССР: «Уроки музыки» (1969), «Стихи» (1975), «Свеча» (1977), «Метель» (1977) и др. В 1977 она была избрана почетным членом Американской академии искусства и литературы. В 1988 вышла книга «Избранное», за ней последовали новые поэтические сборники.

 Сюрреалистический рассказ Беллы Ахмадулиной «Много собак и собака» вошел в неофициальный альманах «Метрополь» (1979). К этому времени она по праву считалась одним из наиболее ярких поэтов, начинавших свой творческий путь во время «оттепели». Вместе с А. Вознесенским, Е. Евтушенко и Р. Рождественским ее называли «поэтом эстрады», обозначая таким образом не столько поэтический строй, сколько способ общения с читателем. Вообще же стихам Ахмадулиной никогда не была присуща публицистичность. Она не раз говорила о том, что без восторга вспоминает времена массового интереса к поэзии, из-за которого в поэтах воспитывалось желание угождать неприхотливым вкусам.

 Одной из главных тем лирики Беллы Ахмадулиной является дружба. Дружбу — в том числе дружбу-любовь и дружбу-творчество — она считает одним из самых сильных человеческих чувств. Дружбе в равной мере присущи и страсть («Свирепей дружбы в мире нет любви», в сб. «Сны о Грузии», 1977), и горечь («По улице моей который год…»; там же).

 Героями стихов Беллы Ахмадулиной становились русские поэты — от А. Пушкина и М. Цветаевой (сб. «Тайна», 1983) до друзей и современников А. Вознесенского и Б. Окуджавы, а также простые люди — «кривая Нинка» (сб. «Побережье», 1991), «электрик Василий» (сб. «Стихотворения», 1988) и др. Ахмадулину не пугают уродливые черты действительности, о которой она пишет в своем «больничном цикле» («Воскресенье настало…», «Был вход возбранен…», «Елка в больничном коридоре» и др.): «Я видела упадок плоти / и грубо поврежденный дух /…весь этот праздник некрасивый / был близок и понятен мне». При этом, как писал в 1977 И. Бродский, ее искусство «в значительной степени интровертно и центростремительно. Интровертность эта, будучи вполне естественной, в стране, где живет автор, является еще и формой морального выживания» («Зачем российские поэты?..»).

Бродский считал Беллу Ахмадулину «несомненной наследницей Лермонтовско-Пастернаковской линии в русской поэзии», поэтом, чей «стих размышляет, медитирует, отклоняется от темы; синтаксис - вязкий и гипнотический — в значительной мере продукт ее подлинного голоса».

 Ахмадулина много переводила грузинских поэтов Н. Бараташвили, Г. Табидзе, С. Чиковани и др. Журнал «Литературная Грузия» публиковал ее стихи в годы, когда из-за идеологических запретов это было невозможно в России.

 Белла Ахмадулина — автор многочисленных эссе — о В. Набокове, А. Ахматовой, М. Цветаевой, Вен. Ерофееве, А. Твардовском, П. Антокольском, В. Высоцком и др. крупных творческих личностях, которые, по ее словам, «украсили и оправдали своим участием разное время общего времени, незаметно ставшего эпохой».

 В 1989 ей была присуждена Государственная премия СССР.

 29 ноября 2010 года, на 74-м году жизни знаменитая поэтесса скончалась на своей даче в Переделкине.

Замятин Евгений Иванович

Евгений Иванович Замятин родился в 1884 г. в уездном тамбовском городе Лебедянь (ныне Липецкая область). Его мать, Мария Александровна (урожденная Платонова), была образованным человеком, любила литературную классику, играла на рояле. Все это передалось детям. Отец Замятина, Иван Дмитриевич, был священником.

Лебедянь по переписи 1883 г. насчитывала 6678 жителей. Это была типичная российская провинция, однако далеко не самая отсталая. Вспоминая детство Замятин писал: «Вы увидите очень одинокого, без сверстников, ребенка на диване, животом вниз, над книгой — или под роялью, а на рояле мать играет Шопена — и уездное — окна с геранями, посреди улицы поосенок привязан к колышку и трепыхаются куры в пыли. Если хотите географии — вот она: Лебедянь, самая разрусская-тамбовская, о которой писали Толстой и Тургенев...»

Замятин в 1893-1896 г.г. учился в Лебедянской прогимназии, где Закон Божий преподавал его отец. Образование было продолжено в Воронежской гимназии, которую будущий писатель окончил в 1902 г. с золотой медалью (однажды впоследствии заложенной в Петербургском ломбарде за 25 руб., да так и не выкупленной). Замятин вспоминал: «В гимназии я получал пятерки с плюсами за сочинения, и не всегда легко ладил с математикой. Должно быть, именно поэтому (из упрямства) я выбрал самое что ни на есть математическое: кораблестроительный факультет Петербургского Политехникума».

Параллельно с учебой были митинги и демонстрации с пением Марсельезы, летняя практика на заводах и в портах, заграничное плавание на пароходе «Россия» от Одессы до Александрии, вступление в РСДРП. В декабре 1905 г. Замятина арестовывают за большевистскую агитацию среди рабочих, весной благодаря стараниям матери его освобождают.

В 1908 г. окончен Политехнический, получена специальность морского инженера. Замятин оставлен при кафедре корабельной архитектуры и с 1911 г. преподает этот предмет. Литературный дебют Евгения Замятина состоялся осенью 1908 г., в журнале «Образование» был опубликован рассказ «Один».

По состоянию здоровья Замятин в 1913 г. переехал в Николаев. Как шутил писатель, он «построил там несколько землечерпалок, несколько рассказов и сатирическую повесть «На куличках». Повесть вскрывала неприглядное лицо царской армии и общества. Решением С.-Петербургского окружного суда номер журнала «Заветы» с повестью был арестован, а писатель выслан на Север. По северным впечатлениям были написаны повесть «Север» и рассказы «Африка», «Ела».

В марте 1916 г. Замятин уехал в Англию, работал на судоверфях Глазго, Ньюкасла, Сандерленда. При его участии был построен ряд ледоколов для России, в том числе один из самых крупных — «Святой Александр Невский» (после революции — «Ленин»). В Англии же начался новый, с иными акцентами и решениями период творчества писателя.

Узнав о революции Замятин спешит домой. Послеоктябрьские события внесли в трагикомический, но в общем жизнерадостный колорит его произведений мрачные краски. В творчестве Замятина появляется призыв к спасению человеческой личности от надвигающегося распада и «нивелирования». Событием в литературе стал 1920 г., год написания Замятиным романа «Мы». Первый в мировой литературе роман-антиутопия впоследствии сыграл роковую роль в судьбе автора.

В 20-е годы Замятин много работает, наряду с рассказами и повестями создает ряд драматургических произведений: «Общество Почетных Звонарей», «Блоха», «Атилла». Для официальной советской критики того периода Замятин «противник революции и представитель реакционных идей, проповедущий мещанский покой и тихую жизнь как идеал бытия» (МСЭ, 1929 г.). В скандальной истории с публикацией романа «Мы» Замятину не помогло заступничество крупных писателей, в том числе Горького. Писатель принимает решение временно покинуть СССР.

С февраля 1932 г. Замятин жил в Париже не меняя советского гражданства. Он активно работал в качестве пропагандиста русских литературы, кино, театра за рубежом. Главное же произведение, которое Замятин создавал за границей, это роман «Бич божий», посмертно изданный в Париже в 1938 г. Оторванный от родины, писатель внимательно следил за жизнью России. Свои произведения старался отдавать в «русские руки», но в эмигрантской печати принципиально не печатался. Отношение к нему на родине начало теплеть. В мае 1934 г. Замятина заочно приняли в Союз писателей СССР, а в 1935 г. он принимал участие в работе Антифашистского конгресса в защиту культуры в составе советской делегации.

Умер Евгений Иванович Замятин 10 марта 1937 г. и был похоронен в пригороде Парижа на кладбище в Тие. Время расставило все по своим местам и произведения Замятина прочно вошли в историю мировой и отечественной литературы.

Константин Симонов

Константин (Кирилл) Михайлович Симонов родился 28 (15) ноября 1915 года в Петрограде, воспитан был отчимом, преподавателем военного училища. Детские годы прошли в Рязани и Саратове.
Окончив в 1930 году семилетку в Саратове, пошёл учиться на токаря. В 1931 году семья переехала в Москву и Симонов, окончив здесь фабзавуч точной механики, работал на заводе. В эти же годы начал писать стихи.
В 1936 году в журналах "Молодая гвардия" и "Октябрь" были напечатаны первые стихи Симонова.
Закончив Литературный институт имени Горького в 1938 году, Симонов поступил в аспирантуру ИФЛИ (Институт истории, философии, литературы), но в 1939 году был направлен в качестве военного корреспондента на Халкин-Гол в Монголию и в институт уже не вернулся.
В 1940 году написал свою первую пьесу "История одной любви", поставленную на сцене Театра имени Ленинского комсомола. В 1941 - вторую - "Парень из нашего города".
В 1941 году окончил курсы военных корреспондентов при Военно-политической академии и получил воинское звание интенданта второго ранга.
С началом войны призван в армию, работал в газете "Боевое знамя". В 1942 году Симонову было присвоено звание старшего батальонного комиссара, в 1943 году - подполковника, а по окончанию войны - полковника.
Большая часть военных корреспонденций Симонова публиковалась в "Красной звезде". В годы войны написал пьесы "Русские люди", "Жди меня", "Так и будет", повесть "Дни и ночи", две книги стихов "С тобой и без тебя" и "Война".
Как военный корреспондент побывал на всех фронтах, прошёл по землям Румынии, Болгарии, Югославии, Польши и Германии, был свидетелем последних боев за Берлин. После войны появились его сборники очерков: "Письма из Чехословакии", "Славянская дружба", "Югославская тетрадь", "От Черного до Баренцева моря. Записки военного корреспондента".
В течение трёх лет пробыл в многочисленных зарубежных командировках (Япония, США, Китай). С 1958 по 1960 годы жил в Ташкенте как корреспондент "Правды" по республикам Средней Азии.
Первый роман "Товарищи по оружию" увидел свет в 1952 году, затем большая книга - "Живые и мёртвые" (1959). В 1961 г. театр "Современник" поставил пьесу Симонова "Четвёртый". В 1964 г. создан роман "Солдатами не рождаются", в 1971 г. - его продолжение - "Последнее лето".
По сценариям Симонова были поставлены фильмы: "Парень из нашего города" (1942), "Жди меня" (1943), "Дни и ночи" (1943 - 44), "Бессмертный гарнизон" (1956), "Нормандия-Неман" (1960, совместно с Ш.Спаакоми, Э.Триоле), "Живые и мёртвые" (1964).
С 1967 по 1979 годы Симонов - секретарь Союза писателей СССР.
В 1974 году К.М. Симонов был удостоен звания Героя Социалистического Труда.
Умер Константин Симонов 28 августа 1979 года.

Современные тенденции в живописи

 Галерея. Современная живопись 5.
 http://rusheva.org.ua

Современная живопись - художница Ольга Шагина.

 Выставка современной живописи в ресторане

• "Креп де Шин"  

Центр современной живописи.

---

 Современная живопись:на стене и на стекле.

 

 

 

 

Современный танец

 Танец джаз-модерн — одно из направлений современной зарубежной хореографии, зародившееся в кон. XIX — начало. XX вв. в США и Германии. Термин «Танец модерн» появился в США для обозначения сценической хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Войдя в употребление, вытеснил другие термины (свободный танец, дунканизм, танец босоножек, ритмопластический танец, выразительный, экспрессионистский, абсолютный, новый художественный), возникавшие в процессе развития этого направления. Общим для представителей танца модерн, независимо от того, к какому течению они принадлежали и в какой период провозглашали свои эстетические программы, было намерение создать новую хореографию, отвечавшую, по их мнению, духовным потребностям человека XX века. Основные её принципы: отказ от канонов, воплощение новых тем и сюжетов оригинальными танцевально-пластическими средствами. В стремлении к полной независимости от традиций представители Т.м. пришли, в конце концов, к принятию отдельных технических приёмов, в противоборстве с которыми зародилось новое направление. Установка на полный отход от традиционных балетных форм на практике не смогла быть до конца реализована.

История

Идеи, жест, освобождённый от условности и стилизации (в том числе музыкальной), способен правдиво передавать все нюансы человеческих переживаний. Его идеи получили распространение в начале 20 в. после того, как были художественно реализованы двумя американскими танцовщицами, гастролировавшими в Европе. Лои Фуллер выступала в 1892 в Париже. Её танец «Серпантин» строился на эффектном сочетании свободных телодвижений, стихийно порождаемых музыкой, и костюма — огромных развевающихся покрывал, освещённых разноцветными прожекторами. Однако основоположницей нового направления в хореографии стала Айседора Дункан. Её проповедь обновлённой античности, «танца будущего», возвращённого к естественным формам, свободного не только от театральных условностей, но и исторических и бытовых, оказала большое влияние на многих деятелей искусства стремившихся освободиться от академических догм. Источником вдохновения Дункан считала природу. Выражая личные чувства, её искусство не имело общих черт с какой-либо хореографической системой. Оно обращалось к героическим и романтическим образам, порождённым музыкой такого же характера. Техника не была сложной, но сравнительно ограниченным набором движений и поз танцовщица передавала тончайшие оттенки эмоций, наполняя простейшие жесты глубоким поэтическим содержанием. Дункан не создала законченной школы, хотя и открыла путь новому в хореографическом искусстве. Импровизационность, танец босиком, отказ от традиционного балетного костюма, обращение к симфонической и камерной музыке — все эти принципиальные нововведения Дункан предопределили пути танца модерн. В России одними из первых ее последователей были студии свободного, или

Тенденции в российском современном театре

Основные тенденции в современном российском театре

Сегодня многие говорят о кризисе современного российского театра. Впрочем, и двадцать лет назад все об этом говорили. И двадцать лет спустя положение вряд ли изменится. Все дело в том, что кризис – это есть форма существования и основа развития театра. Кризис – это не плохо. Кризис – это перспектива, эксперименты, это будущее.

Российский театр, так исторически сложилось, всегда очень оперативно реагировал на изменения, происходившие в обществе. Но нынешняя современность настолько динамична, изменения происходят настолько быстро, что театральная реальность не всегда поспевает вслед за ними. Теперь модными стали слова, о которых раньше и не слышали: всемогущий Интернет, вездесущий трейдер или менеджер и т.д. Одни театры и направления пытаются идти в авангарде, другие даже не стремятся измениться.

 1. Представители традиционного театра принципиально не желают идти в ногу со временем. Они упорно по двадцатому кругу ставят одни и те же классические пьесы. Их репертуар качественно не меняется на протяжении десятилетий. Чехов, Шекспир, Островский ставятся ими так, будто время за воротами театра остановилось. Как минимум оно застыло в самих этих театрах.
2. Сторонники интерпретации классической драматургии в рамках новых форм и подходов. Тоже предпочитают классический репертуар, как драматургию с крепкой литературной основой. Однако, позволяют себе вольное обращение с классикой, используют новые формы, парадоксальные и оригинальные трактовки классических пьес, приближая их к современному зрителю.
3.  Представители коммерческого, развлекательного театра. Считают, что роль театра не отличается от той роли, которую играет массовая культура в жизни современного общества.
4.  Представители «Новой драмы». Особняком стоят в российском театральном процессе. «Новая драма» – одно из самых интересных направлений в современном отечественном театре, но и самое спорное. Зародившись в рамках фестиваля «Новая драма» в 2002 году, направление имело своей основной целью привлечь современную драматургию в театры. Такую драматургию, которая откровенно и честно отражала бы окружающую действительность. «Новая драма» – весьма не однородное явление. К ней относят, как и чрезвычайно талантливых, действительно интересных драматургов, режиссеров, так и просто «прилепившихся» к модному театральному направлению. Фестиваль «Новая драма» в 2007 году прошел в последний раз из-за творческих разногласий «отцов-основателей», однако само направление никуда не исчезло. Оно широко распространилось, приросло новыми, в основном молодежными театрами (неотеатрами). А ведь кто как не молодежь наиболее остро и адекватно чувствует современность?
5.  Представители Театра DOC. Считают наиболее адекватной формой современного театрального искусства – документальный театр. Активно ставят пьесы, написанные на основе документов, газетных статей, историй реальных людей, интервью с представителями той или иной социальной группы, участниками тех или иных реальных событий.

Современный российский театр – это театр контрастов. Он многообразен, динамичен, конфликтен и эксцентричен. Таким положено быть современному театру, такой он и есть. Любой зритель может найти в театре занятие себе по сердцу. Если зритель хочет, чтобы его развлекали, его будут развлекать. Если он хочет думать, то будет думать.